¡Intervención musical para Educación Primaria!

 ¡Buenas a todos de nuevo! 😀

Hoy venimos a hablaros de la intervención musical en la Educación Primaria. Ya hemos hecho alusión en este blog a las diferentes metodologías de enseñanza musical, pero ahora nos preguntamos: ¿Qué es la intervención musical? ¿Cómo se da en un aula de Primaria? 

Os las respondemos enseguida:

La intervención musical puede dividirse en activa o pasiva. En la intervención activa se trabaja la composición, la interpretación instrumental y el canto, pues se necesita que la persona participe para desarrollar estas habilidades, y en la intervención pasiva o receptiva se incluye la escucha. 

Estas habilidades pueden ser trabajadas desde las distintas metodologías expuestas a lo largo del blog, por lo que un ejemplo de intervención en un aula de 4.º de Primaria podría ser el siguiente:

El docente hace una actividad introductoria siguiendo el método Yamaha, en la que se tendrán que ir saludando uno a uno todos los compañeros y el profesor. Esto servirá para calentar la voz y empezar a entonar. Después, se seguiría con otra actividad en la que el alumnado escucha una melodía interpretada por el docente, creada a partir del pentacordo, y tienen que ajustar sus movimientos a eso que escuchan. Por ejemplo: marcarían el pulso caminando, darían saltos para marcas los acentos, etc. 

Luego, la misma melodía la cantaría el docente, indicando las diferentes alturas de las notas con la fononimia Kodály, que ya el alumnado conoce. Una vez escuchada por el grupo, empiezan a cantarla por imitación, es decir, el docente canta las frases de la canción por separado y la clase tiene que repetirla para aprenderla, para al final, poder cantar la canción completa. 

Cuando ya la canción ha sido cantada correctamente, y el grupo conoce las notas de la melodía, se pasaría a la instrumentación. Se reparten xilófonos a cada alumno y tienen que interpretar la melodía trabajada anteriormente. Después, se podrían hacer ejercicios de canon o dividir la clase en dos grupos, en el que uno haga una frase de la melodía, y el otro responda con la frase siguiente. De esta forma, se estaría trabajando con el instrumentarium Orff. 

Para terminar la intervención, se le dejaría un espacio de creación al alumnado, en el que puedan improvisar y crear diferentes composiciones que expongan todo lo aprendido en las clases de Música.

Esperamos que os sea de ayuda este ejemplo de intervención musical y podáis trabajar con los más pequeños de una forma más dinámica, a la vez que aprenden de manera divertida.

¡Hasta la próxima! 🙋

Medina, Z. (23 de agosto de 2017). Intervenciones musicales en rehabilitación neurológica. t.ly/I8nA 

"Con mi cuerpo aprendo", método BAPNE

Bienvenidos y bienvenidas una vez más a un nuevo post semanal. En el día de hoy vamos a conocer un poco más acerca de una metodología musical muy conocida en nuestros días. Nos referimos concretamente al método BAPNE.

Os preguntaréis ¿Qué es el método BAPNE?, pues bueno este es un método que tuvo su origen en el año 1998 y se centra en la estimulación cognitiva, emocional y motriz a través de la neuromotricidad como medio para la mejora de las funciones ejecutivas y cognitivas del alumnado.. La palabra BAPNE es un acrónimo.

El método BAPNE se preocupa de ofrecerle recursos prácticos al profesor para la aplicación de la didáctica de la percusión corporal en el aula. Ello conlleva una explicación pormenorizada de como se secuencian las actividades con su objetivo bien articulado. En el método BAPNE el profesor no emplea nunca los ejercicios de percusión corporal de manera arbitraria, ni a modo de coreográfica, sino que deben ser presentados con una justificación específica para la posible estimulación de las funciones ejecutivas.

¿Y quién fue su creador? Pues este método fue creado por Francisco Javier Romero Naranjo, un musicólogo, pedagogo

 musical y especialista en músicas africanas, que trabaja como profesor en la Universidad de Alicante. Tras estudiar un Master Internacional en Neuropsicología Clínica en la Universidad Europea Miguel de Cervantes por influencia familiar –su madre es profesora de educación especial y logopeda; su hermano Alejandro es psicólogo clínico y músico–, logró crear este método en 1998, tras diversos investigaciones. 

"El lenguaje, como forma de comunicación, tiene un poder único. Y en Bapne tiene un lugar privilegiado; ello se debe a que el objetivo final es que lo que yo realizo con la voz, debe ser completamente independiente a lo que hago con la extremidad superior y con la extremidad inferior".

Por ellos, algunos de los objetivos del Método Bapne, son: 

• Inhibir la respuesta
• Dirigir la atención.
• Planificar y organizar las metas.
• Trabajar la flexibilidad cognitiva.
• Desarrollar la memoria de trabajo.
• Emplear el control emocional para una mejora de la acción.
  

Para poder desarrollarlo, el diseño de las actividades se deben articular mediante la estimulación de las funciones cognitivas y, sobre todo, de las funciones ejecutivas. De esta forma, se trata de un aprendizaje de mucho movimiento, que debe ser vivencial y lúdico.

Las características que marcan este método de enseñanza son diversas:

• Las actividades que se realizan tienen una duración de alrededor de tres minutos con el objetivo de mantener la atención.

• Las actividades son diversas y se cambian cada poco tiempo para evitar la repetición y memorización, manteniendo el beneficio del desarrollo de la estimulación cognitiva.

• Se fomenta la creatividad mediante el movimiento y la estimulación.

• Está centrado en la percusión corporal como medio para el desarrollo de la concentración, la memoria y la atención.

El propósito de BAPNE es la activación de todos los lóbulos cerebrales gracias a la aplicación de ejercicios concretos para el desarrollo de inteligencias múltiples, a través de la percusión corporal. Es un trabajo en grupo e interrelación, se articula de tal manera que todos los participantes tienen la misma importancia. Durante el momento concreto de aprendizaje, acepta el error y, por supuesto, se incluye como algo normal en el proceso de enseñanza – aprendizaje.

Con esta información esperamos que hayáis aprendido un nuevo método que poner en práctica en la clase de música. ¡Hasta la semana que viene! 😄😄

Schafer, quien escucha música en cualquier lugar

 ¡Buenas de nuevo! 😁

Hoy venimos a hablaros de Raymond Murray Schafer (1933- 2021), compositor y pedagogo musical canadiense, reconocido por su preocupación por la ecología acústica y diversas obras como "Limpieza de oídos" o "Cuando las palabras cantan". 

Este educador musical propone un aprendizaje musical basado en la sensorialidad. Para ello, comenta que tenemos que valorar todos los sonidos provenientes de la naturaleza para poder experimentar, buscar y crear piezas musicales. Es en este momento cuando tenemos que hablar de su término estrella: "el paisaje sonoro". Este término hace referencia a la grabación de los sonidos medioambientales que permiten apreciar la sonoridad de un lugar. Valorar este paisaje sonoro hace que podemos experimentar con los diferentes sonidos para hacer nuestras propias creaciones musicales. Es necesario valorar los diferentes sonidos porque no son algo tangible, y por lo tanto, no pueden conocerse de la misma forma en que se conoce algo que se ve; necesita de una visión reflexiva y analítica. 

Schafer pone de manifiesto las tres clases de elementos que pueden darse en el paisaje sonoro:

• Sonidos principales: es la nota principal del paisaje y se puede escuchar de manera consciente o no. y define el carácter de las personas que viven en ese lugar. Según donde se desarrolle este paisaje, el sonido principal puede provenir de la naturaleza o ser artificial. 
• Señales sonoras: son los que se escuchan de manera consciente, como por ejemplo, la sirena de una ambulancia.
• Marcas sonoras: es un sonido único que aporta identidad al lugar que se está analizando sonoramente. Da originalidad a la vida acústica de la gente. 

Por esto, Schafer no enseña música con partituras ni piezas clásicas, porque piensa que no es un aprendizaje vivo para el niño. Necesita de sonidos actuales, que estén en la vida cotidiana del alumnado porque la música es sonido, y sin él, no hay música. 

Además, también indica que todo maestro tiene que dedicar su atención a la realización de ejercicios de audición y, posteriormente, de realización, porque solo así, el niño puede tener experiencias de ensayo y error, lo que le ayudará a aprender realmente. 

A continuación, os dejamos un vídeo en el que el propio pedagogo nos explica qué es el paisaje sonoro para él y cómo ayuda a la sociedad para el aprendizaje de la música:

¡Hasta la próxima! 🙋

Referencias bibliográficas:

Cabrelles, M. S. (s. f.). El paisaje sonoro: "Una experiencia basada en la percepción del entorno acústico cotidiano". t.ly/3T8B 

Fonoteca Nacional (2018). Raymond Murray Schafer a 84 años de su nacimiento. t.ly/TJ33

Guerrero, L. (2009). Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños La revolución creativa propuesta por Murray Schafer[Archivo PDF]. t.ly/d6oM

Música Creativa (s. f.). Murray Schafer & Maurice Martentot. t.ly/Tzlv

Maurice Martenot, el ingeniero musical

 ¡Buenas de nuevo! 😀

Hoy venimos a contaros quién fue Maurice Martenot y por qué su método es tan importante dentro de la pedagogía musical moderna.

Maurice Martenot (1898- 1980) fue un ingeniero y violonchelista francés, que inventó las "ondas Martenot",en 1928, a partir de la pureza de las vibraciones de los tubos utilizados, lo que le llevó a realizar numerosas investigaciones en el campo del sonido y la electrónica. Este instrumento consta de un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia, y el intérprete, poniendo su dedo en el anillo metálico, que determina las alturas de las notas, puede hacer glissandos y vibratos. 

Pero, además de esto, Martenot confeccionó un método de enseñanza musical que lleva su nombre, porque él entendía que su forma de enseñar música era un sistema que implica a la naturaleza, el mundo interior con su expresión en el exterior, y el rigor. Este autor busca el desarrollo integral de la persona, y lo hace a través de la rítmica, la memoria, las alturas de los sonidos y la improvisación. Todo esto, lo logra a través de un ambiente de juego, trabajando el esfuerzo y la relación, el aprendizaje por imitación y la creatividad. 

Este método tiene las siguientes características:

• Pone el desarrollo musical al servicio de la educación. 
• Da medios para la canalización de las energías. 
• Propone la educación del oído absoluto y el uso del diapasón.
• Tiene presenta la relajación corporal, la audición interior y la concentración, muy importantes en la interpretación musical. 
• Las actividades de improvisación son un medio para que el niño se descubra a sí mismo, además de fomentar la motivación. 
• El docente de música crea el clima de la clase, lo que le confiere mucha importancia en el aprendizaje del niño. También, teniendo presentes las posibilidades de los pequeños, les proporciona dificultades que puedan dominar. 
• El ritmo es el elemento clave en este método, y se trabaja a través del movimiento. 

Martenot enseña los diferentes elementos musical a través de técnicas como la imitación, los ecos y la memorización de fórmulas rítmicas, además de trabajar ejercicios de silencios. El trabajo rítmico se realiza mediante repeticiones de fórmulas encadenadas. También, utiliza la canción, porque dice que la expresión verbal es la base para el desarrollo rítmico. 

A continuación, os dejamos un vídeo explicativo de este método para que todo quede más claro.

¡Nos leemos la semana que viene! 🙋

Cuevas, S. (2015). La trascendencia de la educación musical de principios del siglo XX en la enseñanza actual. Revista Magister, 27, 37-43. Enlace a documento

Metodologías activas, Zoltán Kodály

Muy buenas a todos, en el día de hoy hablaremos acerca de un nuevo pedagogo musical un poco más cercano a nuestro tiempo. Se trata de Zoltán Kodály.

Fue un compositor, crítico musical y musicólogo étnico húngaro que nació en Kecskemét, Hungría, el 16 de diciembre de 1882  y murió en Budapest, el 6 de marzo de 1967. Fue un destacado músico húngaro cuyo estilo musical atravesó primero una fase posromántica-vienesa y que evolucionó luego hacia su característica principal: la mezcla de folclore y armonías complejas del siglo XX d. C. En colaboración con B. Bartók, empezó en 1903 un estudio sobre la musicalidad folclórica balcánica en general, y magiar en particular.

Zoltán Kodály ejerció durante algún tiempo como director de orquesta y crítico musical. Entre 1931 y 1933 impartió clases de musicología étnica en el Ateneo de la capital húngara. Posteriormente, fue investido de numerosos cargos honoríficos y ejecutivos en su país, y respetado por todos los regímenes políticos que en él se fueron sucediendo.

La fama de Kodály quedó consagrada de manera definitiva en el año 1923 con su Psalmus hungaricus, partitura escrita para las conmemoraciones del cincuentenario de la unión de las ciudades de Buda, Pest y Obuda. Alrededor de 1940, cuando Bartók se exilió en Nueva York, Kodály se convertirá en la principal figura de Hungría. Los factores que le llevaron a esto fueron el inicio de la recopilación de música popular húngara Corpus Musicae Popularis Hungaricae, el cual publicaría en 1953, y su nombramiento como miembro del Departamento de Filosofía y Estética de la Academia Húngara de Ciencias.

Zoltan Kodály fue un compositor, gran pedagogo, musicólogo y folclorista húngaro de gran trascendencia. Se basó en la música campesina, la cual, según el autor, es conveniente que se comience a introducir en los ambientes familiares de los niños. El valor de Kodály se cifra fundamentalmente en su labor musicológica realizada en la doble vertiente de la investigación folclórica y de la pedagógica.

Su método parte del principio de que “la música no se entiende como entidad abstracta (solfeo en el plan antiguo), sino vinculada a los elementos que la producen (voz e instrumento) “. La práctica con un instrumento elemental de percusión y el sentido de la ejecución colectiva son los puntos principales en que se asienta el método.

Podríamos resumir su método en los principios siguientes:

• La música es tan necesaria como el aire.
  
• Sólo lo auténticamente artístico es valioso para los niños.
• La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical nacional en todos los niveles de la educación.
• Conocer los elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental.
• Lograr una educación musical para todos, considerando la música en igualdad con otras materias del currículo.

Su método, desde el punto de vista pedagógico, se basa en la lecto-escritura, en las sílabas rítmicas, la fononimia y el solfeo relativo. Con las sílabas rítmicas, Kodaly pretende relacionar a cada figura y su valor con una sílaba, con lo cual obtiene cierta sensación fonética y, por consiguiente, una relativa agilidad o lentitud en el desarrollo de las diferentes fórmulas rítmicas y su contexto global.

Mediante el solfeo relativo se plantea la posibilidad de entonar cualquier melodía representada en una sola línea desde el punto de la escritura musical. Esta línea representa el pentagrama convencional y en ella estarán colocadas las diferentes notas con sus nombres respectivos debajo, dichos nombres no estarían completos ya que sólo aparecería la primera letra del nombre correspondiente.

Con esta actitud y desde el punto de vista de la entonación, da igual la tonalidad en que se encuentre la obra musical original, pues siempre se podrá transportar a la tesitura más cómoda del intérprete.

Bueno y como no os queremos abrumar con mucha información, en próximos post seguiremos hablando acerca de su método con más profundidad. Esperamos que os haya parecido interesante y os haya servido para saber algo más acerca de este gran pedagogo musical.

Un saludo y ¡hasta la semana que viene! 😁😁

Metodología Willems: el niño como centro de la enseñanza musical

 ¡Buenas de nuevo! 😀

Hoy volvemos con Edgar Willems, y hablaremos de las bases de su metodología.

Para Willems, la educación musical es fundamental para conseguir la armonía en la personalidad del niño, así como para trabajar la audición, dándole gran importancia al órgano encargado para la evolución en la infancia.  Además, él cuenta que la música está relacionada con la naturaleza humana, porque desarrolla las facultades del hombre; de ahí, la armonía en la personalidad. 

Por lo tanto, él dice que la educación musical debe ajustarse a la madurez cognitiva del niño, pasando por las diversas etapas psicoevolutivas que comentaba Piaget.

Su método se fundamenta en pasar por la sensorialidad, la afectividad y el intelecto en este orden, ya que, si el niño no ha percibido los diferentes sonidos que le rodean, difícilmente comprenderá lo que siente y lo que escuche, así como no procesará mentalmente lo que perciba auditivamente. Es un método vivo, en el que se parte de la vida y de sus relaciones con la música para que, a partir de los movimientos y percepciones naturales, se puedan trabajar los elementos constitutivos de la música auditivamente y no de manera intelectual, pues, como él dice, la música no está hecha para la escritura, sino para el oído. De otra forma, no se revelaría su valor. 

A continuación, os dejamos un ejemplo de una clase que utiliza el método Willems: 

Este es un ejemplo de actividad para trabajar la discriminación auditiva. De esta forma, el alumnado puede percibir diferentes sonidos más graves o agudos, que ayudarán a entrenar al oído para adentrarse, posteriormente, en el aprendizaje de los intervalos melódicos, las escalas y los diferentes modos. 

Como ocurre en el siguiente vídeo, en el que el niño ya puede ir entendiendo las diferentes escalas ascendentes y descendentes, así como el ritmo de la obra y sus acordes cuando el docente toca con él. 

Esperamos que os haya gustado la publicación, y os sirva de ayuda. 

¡Hasta la próxima! 🙋

Edgar Willems, pedagogo musical del siglo XIX

¡Bienvenidos una semana más a una nueva publicación! Como viene siendo habitual, hoy hablaremos, como habéis visto en el título, sobre un pedagogo musical perteneciente a la rama de los métodos activos, más concretamente se trata de Edgar Willems.

Este autor nació en Lanaken (Bélgica), el 13 de octubre de 1890, pero desarrolló su labor pedagógica y musical en Suiza. Fue sin duda uno de los grandes pedagogos del siglo XX. Percibió la importancia de la educación musical infantil y dedicó todo su esfuerzo a desarrollar una metodología progresiva y eficaz que permitiera a cualquier niño, aún sin dotes especiales, descubrir su potencial musical y creativo, y disfrutar de los beneficios de la música. Hasta ese momento, un alto porcentaje de los niños que accedían a los estudios musicales en los Conservatorios abandonaban sus estudios desesperanzados y no conseguían terminarlos a causa de la excesiva aridez del sistema tradicional.

Durante la Guerra Mundial, del 1914-1918, fue cuando Edgar Willems (1890-1978), comenzó a realizar la visión y concepción que inspirarían de 1925 a la fecha de su muerte, su vida de investigador, pedagogo e iniciador de una obra y una actividad profundamente humana y adaptada en particular a la época que vivimos.

Willems mostró a lo largo de su vida un interés por todas las artes, en particular por la pintura, y reflexionó profundamente sobre la relación entre el ser humano y el lenguaje musical: el vínculo entre el ritmo y el cuerpo humano, entre la melodía y el mundo afectivo, entre la armonía y la inteligencia.

En el método Willems hay una característica integradora de las obras pedagógicas precedentes. Willems conoció los trabajos de Dalcroze el cual le dedica el prólogo del primer tomo de “L’oreille musicale”, tuvo relación con sus contemporáneos Orff, Kodály y Bartók; más tarde (1950) con Martenot y Mme. Barde, y en los años 70, con los métodos como el instrumental de Suzuki, etc. Conociendo todas estas aportaciones e integrando lo más adecuado de cada una al contenido filosófico y humano de su concepción, y a sus hallazgos personales, se ha ido conformando lo que en la actualidad es el método Willems. 

Uno de los logros fundamentales de Edgar Willems fue el de establecer las bases de una educación musical que favoreciese el desarrollo del niño. Partiendo del conocimiento del propio ser humano, de los nexos entre los fenómenos musicales y la propia vida, Willems plantea una educación musical accesible a todos los niños, idealmente desde edades tempranas. Se busca la alegría de descubrir el lenguaje de la música, logrando un desarrollo a nivel sensorial, afectivo y mental, sin recurrir en ningún momento a elementos ‘extramusicales’ como los colores.

La pedagogía Willems tomó la audición como punto de partida para aprender música, ya que con ella se puede "despertar" el oído musical. Pero no lo hizo desde una concepción clásica, sino diferenciando tres tipos: sensorial (cómo se reacciona ante el sonido), mental (armonía, polifonía) y afectiva (la melodía). Además hay que tener en cuenta:

• Las actividades debían ser motivadoras, divertidas, diversas y primaba el juego (relacionado con cuestiones musicales).

• Prevalece el uso de los elementos naturales y se prescinde de aquellos que puedan distraer, como juguetes.

• Los niños tenían libertad plena para desarrollar su imaginación y creatividad.

• Cada sesión se entendía como un proceso en el que el alumno, poco a poco, va desarrollando su oído y la sensibilidad auditiva.

• El canto era la base para el aprendizaje de un instrumento, ya que contribuía a entender las notas, las melodías, las partituras... Cuanto más interiorizada estaba la música, era más sencilla luego poder interpretarla.

Finalmente, Jacques Chapuis (1926-2007), discípulo de Willems, contribuyó a la sistematización y difusión de los principios de la educación musical Willems, que se secuenciaron en cuatro grados: 

• 1er grado: revelar-descubrir-vivir-sembrar.

• 2º grado: la asociación del sonido con los grafismos.

• 3er grado: presolfeico y preinstrumental: la ordenación de los elementos (notas, intervalos, etc.). Empezar a tomar conciencia.

• 4º grado: solfeo vivo, canto coral y estudio de un instrumento.

Y hasta aquí todo por el día de hoy, gracias una vez más por seguir acudiendo a estos post en busca de información y esperamos que os haya servido para entender la metodología de este nuevo pedagogo musical que os hemos enseñado. 

¡Un saludo y hasta el próximo post! 😁😁

Una clase Dalcroze

¡Buenas a todos de nuevo! Hoy os traemos un post dedicado a Émile Jacques- Dalcroze, un pedagogo musical que basaba su método educativo en el movimiento para enseñar los diferentes elementos musicales. Este método es conocido como Euritmia, con el que, a través del cuerpo, el niño aprendía elementos de la música como el ritmo, la melodía y la armonía, además de trabajar la discriminación auditiva y la improvisación. Pero esto no es todo, sino que con este método también se trabajan las relaciones sociales, ya que todo se trabaja en grupos de 15 alumnos máximo. 

Pero hoy no queremos ahondar más en este tema, sino que vamos a diseñar una clase Dalcroze para que todo se entienda mejor.

Para trabajar el pulso, haremos lo siguiente:

• Los niños, ocupando toda la clase, irán andando al ritmo de la música marcando el pulso. Cuando la maestra lo indique, los alumnos tendrán que buscar a otro compañero para, en parejas, marcar el pulso    con las manos; como si estuvieran jugando al juego de las palmas. 

Para enseñar la subdivisión, podremos realizar el siguiente ejercicio:

• Mientras que los alumnos caminan por la estancia marcando el pulso, pueden ir marcando la subdivisión de este con las manos, dando palmadas.

Si queremos trabajar las semifrases, podemos hacer lo siguiente:

• En parejas, donde cada uno de los miembros estarán en un extremo del aula, se tendrá que rodar un aro al tiempo que suena la música. Este tendrá que llegar al otro miembro de la pareja en el momento en que se termine la semifrase. De esta manera, se trabaja este concepto y su duración. 

Para trabajar los matices dinámicos y agógicos, realizaremos lo propuesto a continuación:

• Los alumnos tendrán que ir caminando por toda la clase marcando el pulso, y cuando la música suene fuerte, tendrán que marcar su pulso dando pisadas más sonoras, y cuando la intensidad sea más suave, tendrán que caminar de puntillas, sin causar mucho ruido. Además, cuando se perciba que la música se acelera, los alumnos tendrán que acelerar sus pisadas, y cuando se desacelere, lo mismo: se tendrá que ver a los alumnos reduciendo la velocidad de las pisadas. 

Con esta propuesta de clase, se pretenden trabajar diferentes elementos constitutivos de la música, a la vez que la audición musical y las relaciones entre iguales. 

Esperamos que os haya gustado la publicación, y os ayude a que las clases de música en las aulas sean más efectivas y divertidas.

¡Hasta la semana que viene! 🙋

El método Ward aplicado en clase

Bienvenidos y bienvenidas de nuevo a una entrada más del blog, la semana pasada os dejamos un poco de información sobre la pedagoga musical Justine Ward y su método y en el día de hoy para que veáis cómo se aplica su método nos ha parecido interesante colgar el siguiente vídeo para aclararos las dudas que os pudieran surgir del post anterior.

Debajo del vídeo os dejaremos una descripción de lo que se va haciendo para que a la vez que se va observando podáis ir entendiendo el funcionamiento del método.

Nos encontramos ante una clase de niños de 6 años de edad y solo llevan dada una clase de música. Las notas de la escala se muestran por números del 1 al 5 (notas: do, re, mi, fa y sol) y durante la primera semana van a aprenderlas a través de la imitación y los gestos con las manos. A continuación, para que los alumnos escuchen cómo suena la nota musical "do" representado como el número 1, hace uso de un diapasón. Una vez encontrado el tono se dispone a formar la escala cantando y los alumnos por repetición lo tienen que ir haciendo, pero se da cuenta que el tono que ha tocado al principio está demasiado agudo y sus alumnos no consiguen afinarlo, por lo que decide tomar un "do" algo más grave. Tras darles el tono esta vez la docente no canta y observa si los alumnos han cogido el tono y a su vez va señalando los números para indicar la nota que quiere que canten y añade variaciones para ver si sus alumnos lo van pillando. Después de esto les pide que pongan la mano a la altura de su ombligo (les indica que en esa posición se encuentra "do") y tienen que imitar los movimientos que ella haga sin cantar.

Una vez que los alumnos ya saben la posición de la mano, se disponen de nuevo a cantar pero esta vez a las notas cantadas le añaden la posición de la mano para que interioricen la altura de las notas. Por último, como se puede observar la docente elige a diversos alumnos para que de manera individual realicen el ejercicio según vaya marcándole la docente.

Una vez visualizado el vídeo esperamos que el método Ward os haya quedado ahora muchísimo más claro y os pueda servir en vuestras clases como apoyo para enseñar música.

¡Nos vemos en el siguiente post y que tengáis un buen día! 😁😉

¿Quién es Justine Ward?

 ¡Buenas de nuevo! 

Hoy volvemos con una publicación sobre Justine Ward, una educadora musical estadounidense, creadora del primer método de enseñanza musical elemental estadounidense. Pero, primero vamos a conocer a esta importante mujer para la enseñanza musical.

Justine Ward (1879- 1975) nació en Nueva Jersey, y fue la primera mujer en crear un método de educación musical primaria estadounidense, que enfatiza en la alfabetización musical y la interpretación estética.

Su método está enfocado exclusivamente al canto de los niños, y se desarrolló para formar a escolanías o coros infantiles. Se fundamenta en el canto gregoriano, ya que Ward fue educada en el catolicismo, y su formación musical se basaba en el canto coral de la Iglesia, además de querer promover las reformas litúrgicas y musicales de Pío X. Además, busca que todos los niños puedan leer, comprender y ejecutar canciones monódicas y polifónicas. A través del juego, podrán llegar a componer sus propias canciones, siempre dentro del sistema tonal.

Ella recomendaba que para desarrollar un canto afinado, se usara un instrumento musical como apoyo armónico, como el piano. Además, comentaba que para educar a un buen niño cantor, había que insistir en un tono correcto y una afinación precisa. Por esto, en sus clases se realizaban ejercicios vocales, de entonación y ritmo. Cuando esto se había asimilado, se introducía la lectura solfística.

Este método utiliza los números del 1 al 7 para simbolizar las alturas relativas (do, re, mi, fa, sol, la, ti), y  une la voz al gesto de los brazos para indicarla de manera visual. Así, los estudiantes aprendían la discriminación precisa del tono con ejercicios de canto, donde los números correspondían con las notas, cantadas en Do móvil. 

Esta forma de enseñanza se apropia de muchas ideas preexistentes, como son el canto a la vista de Galin- Paris- Chevé y la filosofía educativa del editor del método, el reverendo Thomas Shields. Bajo su guía, Justine Ward reformó la técnica bel canto de su mentor, el reverendo John Young, y la combinó con los ejercicios de Chevé. También adoptó de este músico la separación de los elementos de la música, primordialmente ritmo y tono. 

Este método está diseñado con ideales de educación progresiva en mente, como es el caso del aprendizaje por descubrimiento de hechos en pasos secuenciales. 

Esperamos que os haya servido este post para descubrir y comprender otro método para la educación musical de nuestros pequeños, y no morir en el intento. 😜

¡Hasta la semana que viene! 🙋

¿Qué es el método Chevais?

Muy buenas a todos y bienvenidos a una nueva entrada del blog. En el día de hoy hablaremos de un precursor de todos los métodos musicales que existen hasta el momento. En concreto, este método lo llevo a cabo Maurice Chevais del cual adquirió su nombre. Pero primero nos remontaremos al siglo XIX para saber quién era este hombre.

Maurice Chevais fue un  músico, pedagogo francés y además inspector de la educación musical escolar parisina entre 1919 y 1940, teórico, autor de innumerables artículos y libros de texto y luchador incansable por la causa de la educación musical.  Escribió una obra pionera, "Education Musicale d´Enfance", en tres tomos, donde propone conceptos musicales y prácticas básicas, muchas de las cuales continúan vigentes hoy en día. Pertenece a la escuela activa y habla de un aprendizaje progresivo de los sonidos. Valora grandemente el factor rítmico y para ello comienza trabajando la pura noción del tiempo, para después pasar a fórmulas rítmicas más complejas.

Su método, el método Chevais se basaba en tres pilares fundamentales que son la educación del oído, la educación del gesto y la educación vocal.

Propone un acercamiento musical inductivo en el que se parte de la exposición al niño al mundo sonoro (reconocimiento de sonidos y disfrute de la música), para posteriormente abordar la teoría musical, abordando la iniciación musical, de la siguiente manera:

• Canto por imitación, 0 a 6 años.
• Iniciación al solfeo, 6 a 10 años.
• Notación y progresión de 10 12 años
• Lectura, ritmo y canto reconociendo sonidos convencionales, hacia los 10 años.
• Polifonía de 12 a 16 años.

El método Chevais hace uso de la Fononimia, el Canto y de la Dactiloritmia (trabajo de las figuras musicales con los dedos), ya que se enfoca bastante en el desarrollo del aspecto rítmico y la noción del tiempo.

La Dactilorritmia es un sistema que ya existía; fue planteado a finales del siglo XIX por Désirier y perfeccionado por Chevais. Désirier utilizaba los dedos de la mano para representar los submúltiplos de negra: cada dedo simboliza una semicorchea; juntos unen su valor; así la figuración.

Chevais transformó este sistema de modo que un dedo de la mano, extendido, simboliza una nota y a su vez un pulso; varios dedos separados, representan varios sonidos de un tiempo; para los silencios se repliega el dedo correspondiente mientras que el puño indica un silencio de compás.

Podemos comprobar que este sistema sólo permite utilizar estructuras sencillas con unidades de tiempo y sus múltiplos, pero nunca con sus fracciones.

La Fononimia por otra parte, son posiciones de la mano sobre la zona central del tronco, que sirven también para indicar la altura de los sonidos de la escala. La mano derecha, siempre está en posición horizontal, con la palma hacia abajo y dirigiendo los dedos hacia la izquierda.

Lo interesante de estas posiciones es su simplicidad:

• DO : a la altura del pecho 

• RE : a la altura del hombro 

• MI : a la altura del mentón 

• FA : a la altura de la sien 

• SOL : sobre la frente 

• LA : en el costado superior derecho de la cabeza 

• SI : en el mismo flanco pero encima de la cabeza y 

• DO' . sobre la cabeza 

Es un método vocal y su objetivo es ofrecer una educación musical para todos sin excepción y aprender a gozar de la música para después pasar a la técnica.

Cada método musical que se dio durante el siglo XX ha potenciado el desarrollo de alguno de los elementos formales de la música de forma independiente, a diferencia de la enseñanza actual de la música, en donde predomina cada vez más el conocimiento holístico del aprendizaje. Tal conocimiento comprende todo el concepto de un hecho musical, que incluye también los valores que se puede dar de manera independiente a cada uno de los diferentes elementos formales de la música.

Y hasta aquí todo por hoy, esperamos que os haya parecido interesante y que además os haya ayudado a enriqueceros en vuestra formación como músicos. ¡Hasta la próxima amigos! 😊😊

La Pedagogía Musical Activa: nuevos métodos educativos

 ¡Hola de nuevo! 😀

Hoy toca hablar sobre la Pedagogía Musical Activa. Por ello, vamos a explicar en qué consiste este tema, y pondremos ejemplos de pedagogos que crearon sus métodos de enseñanza musical.

La Pedagogía Musical Activa es un movimiento educativo musical surgido en las últimas décadas del siglo XIX. Se basa en dar a la música, no solo un valor estético, sino también valores formativos para la persona. Además, su objetivo es que el alumno participe de forma activa en su educación para que desarrolle sus conocimientos musicales. En este nuevo movimiento tiene mucho que ver la Escuela Nueva y sus precursores, ya tratados en el post anterior. 

En esta corriente educativa musical pionera surgen diferentes métodos de enseñanza, entre los que caben destacar los siguientes:

· Método Dalcroze: va en contra de la memorización teórica. A través del movimiento, la escucha activa y la improvisación se aprende la teoría musical. De esta manera, los contenidos, al ser comprendidos y asimilados, perdurarán en la memoria del aprendiz. 

· Método Kodály: trabaja el solfeo relativo a través de la fononimia y el trabajo con canciones. La canción es la principal herramienta para que el alumnado transforme los conceptos teóricos en útiles y prácticos. Además, se usa la música del folclore, por lo que siempre será más fácil para el estudiante comprender lo que está haciendo, así como estar motivado.

· Método Martenot: separa la entonación del ritmo, cuyos objetivos son poner a disposición de otras materias educativas el desarrollo musical, dar herramientas de autocontrol, transmitir conocimientos teóricos de forma activa y educar el oído. 

· Método Willems: su objetivo es que la música sirva para mejorar como persona y nos desarrollemos íntegramente. Sus metas son desarrollar la audición, el canto, el ritmo, el solfeo, la armonía y la interpretación musical a través de los instrumentos. 

· Método Orff: se basa en la relación entre el ritmo y el lenguaje. Con actividades de percusión corporal, de interpretación con el instrumentario Orff (instrumentos de láminas y la flauta dulce) y juegos con sílabas de palabras, se logra desarrollar la capacidad de improvisación y la creatividad del alumnado. De ahí que tenga tan buena acogida en el ámbito de la musicoterapia. 

· Método Suzuki: parte de la idea de que el aprendizaje musical se hace de igual forma que el de la lengua materna. Se basa en la idea de que el niño es capaz de aprender, pero tiene que hacerlo de forma gradual y a su propio ritmo. Los recursos de este método son la repetición, la imitación, la escucha activa, etc. Como particularidad, en este método se retrasa el aprendizaje de las notas musicales, es decir, primero se desarrolla el oído y la capacidad creativa, y luego se trabaja con la lectura de las notas musicales. 

Como resumen de todo lo comentado, os dejamos un vídeo que explica muy bien todo este contenido:

Esperamos que os haya sido de ayuda este post. ¡Hasta luego! 😄

Aprendemos sobre los principios de la Escuela Nueva

¡Muy buenas lectores! en el día de hoy abordaremos un tema muy importante en la educación como es el concepto de Escuela Nueva y las novedades que surgen a través de su creación.

Primero de todo os estaréis preguntando ¿qué es eso de "Escuela Nueva"?, pues el fenómeno llamado Escuela Nueva es un movimiento pedagógico heterogéneo que presenta distintas corrientes internas que pueden diferenciarse entre sí, pero que confluyen en el sostenimiento y desarrollo de principios y conceptos fundamentales que son comunes entre los diversos precursores y representantes.

Esta escuela se origina entre los últimos años del siglo XIX y los primeros del siglo XX. Durante este período, se observa que las enseñanzas tradicionales están obsoletas para el mundo de entonces.

Entre las novedades que presenta esta escuela, podemos encontrar una serie de líneas pedagógicas que derivan de ella, alguna de estas son:

· Educación integral: Se propone formar íntegramente a los alumnos, no sólo trabajar y desarrollar su parte intelectual sino también su parte afectivo social, lo psicológico, lo corporal y lo social. Que los libros no sean la única fuente de aprendizaje, que estén en contacto con la naturaleza, con el arte, con las actividades físicas y manuales… 

· La educación activa: El alumno no debe ser un elemento pasivo de la educación, sino que debe ser el protagonista activo de éste. El alumno aprende haciendo. 

· La educación placentera: El juego tiene un gran papel en esta pedagogía. Aprender jugando. A través del juego expresan el mundo que los rodea, manifiestan sus aptitudes, sus sentimientos, y avanzan en la incorporación de la cultura. 

· La educación abierta: La escuela debe estar abierta a la comunidad. Y debe estar coordinada con otras instituciones, sobre todo con la familia. También ha de estar en contacto con la naturaleza y fomentar actividades en ella. 

· La educación creativa: Fomentar la creatividad de los alumnos, no solo en hacer arte sino también en transformar objetos y fenómenos para adaptarlos a las necesidades. No hay que buscar a niños genios sino ayudarles a potenciar sus posibilidades y necesidades. 

· La educación en libertad: El docente guía y orienta a los alumnos en el proceso educativo, sigue teniendo su autoridad, pero no mediante el miedo y los castigos como en la escuela tradicional. Se quiere conseguir un ambiente democrático en el que participen todos los alumnos de forma activa. 

Esperamos que esta información os haya permitido empezar a entender qué es la escuela nueva y algunas características que la definen. Pero, por sí os habéis quedado con el gusanillo de saber más acerca de ella os dejamos un pequeño vídeo donde se explica muy bien y de manera resumida algunos de los principios de la escuela nueva.

Esperamos que os haya gustado el post. ¡Hasta la próxima! 😉😉

¡OS DAMOS LA BIENVENIDA!

 ¡Bienvenidos a este nuevo blog! 

Somos Ainhoa Bustamante y Raquel Torres, dos alumnas de la mención de Música del grado de Educación Primaria de la Universidad de Cádiz. 

¿Por qué abrimos este blog? Pertenece a la asignatura Pedagogía Musical Activa, y será una herramienta por la cual recopilaremos información de todos los aspectos que trataremos durante el curso. 

A continuación, nos presentaremos para que conozcáis algo más sobre nosotras.

Soy Raquel Torres, y desde siempre me ha gustado la música. No tengo formación musical externa a la UCA, pero siempre he estado relacionada con el baile. De hecho, soy monitora de Zumba porque veía que era una forma de unir la música con el bienestar físico y emocional, aspectos muy importantes en la educación. 

Yo soy Ainhoa Bustamante Fornell, y desde muy pequeñita he estado ligada al mundo de la música. Me encanta cantar, y he formado parte de la Escolanía María Auxiliadora (EMA) de Cádiz, y además, aunque no tengo estudios musicales, sé tocar un par de instrumentos como pueden ser la guitarra y el ukelele. Aparte, estoy aprendiendo de manera autónoma a tocar el piano.